[Interview] October Drift

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Après plusieurs mois de teasing intensif des premiers singles et clips sur les réseaux, October Drift, quatuor indie de Taunton, dans le comté de Somerset (au sud de l’Angleterre) sortait le mois dernier son second album « I Don’t Belong Anywhere ». Un disque qui, depuis sa diffusion, n’a cessé de tourner sur nos platines, tant les textes déterminants et poignants de son chanteur et guitariste Kiran Roy résonnent en nous comme avec l’actualité brûlante et l’état du monde actuel. Écrit pendant la pandémie comme une réaction épidermique à son atmosphère anxiogène, ce disque en tous points rageur évoque avec une franchise désarmante ce vécu de l’intérieur et les questionnements humains et environnementaux propres à notre génération, partagés entre le constat et la nécessité de faire bousculer les lignes. Échanger longuement avec Kiran sur cet exutoire limpide et puissant nous a permis de saisir pleinement la dimension thérapeutique de son écriture, de prendre le temps d’explorer en profondeur les textes et thématiques centrales de l’album et de partager notre admiration commune pour l’œuvre de Biffy Clyro.

• Bonjour Kiran et October Drift. C’est vraiment un immense plaisir de vous avoir en interview. J’ai eu l’occasion d’écouter à maintes reprises depuis sa sortie, dans des conditions diverses votre second album et j’ai pour ainsi dire l’impression d’en apprendre plus à chacune de mes écoutes. La première chose qui m’a frappé, c’est l’intensité de ce nouvel album, pas que ce n’était pas déjà le cas de votre premier LP que je trouve d’ailleurs toujours fabuleux à l’instar de « Naked » et « Oh The Silence », mais j’ai trouvé que l’intention et la posture y sont encore plus marquées. Rien que le parti pris de départ hyper musclé sur « Airborne Panic Attack » qui pose immédiatement le contexte de l’album. J’ai été très impressionné et immédiatement scotché par le souffle de ce nouveau disque, par ce pré-refrain qui annonce les hostilités : « Have you seen the fire coming? ». Comment avez-vous abordé le tournant décisif de ce second album ? Avec quelles attentes ? Qu’est-ce qui a changé dans votre manière de composer et de vivre votre musique entre ces deux albums ?

Quand nous avons entrepris la réalisation de cet album, nous avions un paquet de morceaux de prêts – mais il est apparu évident que nous avions deux albums, et pas un seul n’était complet. Un premier plus éthéré, un peu plus léger, et un second plus sombre, plus direct, plus rock. On a opté pour l’album rock. Nous voulions qu’il soit dans la continuité de notre premier album « Forever Whatever », mais plus direct et plus épuré. On l’a enregistré dans notre studio dans le Somerset. Je pense que tu as raison, cet album donne plus l’impression d’avoir été écrit à la même époque et au même endroit, et c’est en grande partie parce qu’il l’a été ! Le premier album était simplement constitué des meilleures chansons que nous avions écrites jusque-là, alors que ce deuxième album reflète vraiment l’espace dans lequel nous nous trouvions en tant qu’individus et parfois le monde autour de nous pendant cette période spécifique.

• J’ai suivi avec grand intérêt le dévoilement des premiers titres de ce nouvel album jusqu’à sa sortie vendredi dernier, et je dois reconnaître que chaque nouveau titre que j’ai pu attendre alors n’a fait que confirmer mon impatience à l’égard du format final. Il y a quelque chose de très singulier dans votre manière d’écrire, de très viscéral, mais également d’honnête, de concret et d’immédiat. Vous ne vous cachez pas dernière des paroles énigmatiques ou la nécessité de lire entre les lignes, ce que je trouve particulièrement appréciable. J’ai ressenti une vraie mise à nue en écoutant ce nouvel album à tel point qu’on en apprend aussi sur nous. Cette introspection sur le disque, c’était un processus complexe pour vous ou au contraire assez évident et naturel ?

C’est intéressant que tu dises que tu n’as pas l’impression de devoir lire entre les lignes ou quoi que ce soit. Je pense que mon écriture de chansons dans l’ensemble est basée sur des sentiments ou des réactions à des événements, plutôt que de raconter une histoire, comme le font certains artistes. Même si je pense que cet album est plus direct dans ses sujets et ses thèmes, c’était surtout un processus très naturel. Être honnête, être un livre ouvert de cette manière peut parfois être la partie la plus difficile – tu montres ta vulnérabilité et tu mets les choses à nu. Certaines chansons, en particulier « Webcam Funerals », j’étais anxieuse à l’idée de les sortir à cause de cela – son sujet était encore si brut, mais la réaction des gens qui pouvaient s’identifier à cette chanson et raconter leurs propres histoires m’a vraiment rassurée sur le fait que c’était la meilleure chose à faire. C’est vraiment spécial la façon dont la musique peut connecter, elle nous dit que d’autres personnes ont traversé ces mêmes épreuves.

• On peut revenir un peu sur certains titres marquants de l’album si ça vous va ? Je voulais d’abord qu’on parle un peu d’« Insects » sur lequel la tension est à son comble dès les premières lignes de basse. On sent que tout va finir par exploser et les textes posent très justement les conditions de survie : « We’re still insects nothing at all / We’re still insects pinned to the walls / Trying to crawl ». Comment chez October Drift se passe la composition d’un tel titre ? On sent qu’il y a du vécu dans le propos, mais aussi, toujours, l’envie d’aller de l’avant, de vous en sortir. Au fond, l’issue des questionnements et des réalités que vous présentez dans vos textes n’est-elle pas la résultante d’une volonté optimiste de tendre vers le profond bonheur ?

La chanson a commencé avec cette ligne de basse, qui, je pense, dégage une grande vibration. La chanson est assez sombre et pleine de tension explosive. Après avoir été enfermé pendant la pandémie, faire de la musique bruyante avec autant de tension et de frustration refoulée était très naturel. Sur le plan lyrique également, je ne me souviens pas en avoir été conscient à l’époque, mais  » I don’t want to die in here / Je ne veux pas mourir ici » et « pinned to the walls / être cloué aux murs » reflètent le fait d’être coincé à l’intérieur. Des chansons comme « Insects » et « Parasite » canalisent également le monde saisi par le coronavirus de l’époque, qui était (à juste titre) obsédé par la propagation des germes et la contamination. La chanson a également été inspirée par une visite au Hunterian Museum de Glasgow, où l’on a pu observer tous les scarabées et papillons victoriens épinglés aux murs.

• J’aimerais qu’on s’arrête un moment sur le titre que vous avez choisi de donner à ce nouvel album « I Don’t Belong Anywhere ». Je trouve qu’à travers ces quelques mots, tout est dit sur le climat de notre époque, sur ses enjeux, sur le moral de la population. Ce titre était-il votre premier choix et comment avez-vous statué sur ce choix ensemble, au sein du groupe ?

C’est une des chansons qui a été écrite juste après que nous avons eu fini d’enregistrer cet album. Je suis sûr que nous pourrons vous montrer comment ça s’est passé un jour. Nous n’avons jamais réussi à la terminer à temps pour l’album, et nous n’avons toujours pas réussi à la placer à un endroit qui satisfasse tout le monde. Mais le titre avait beaucoup de poids, même seul, et semblait vraiment résumer l’album. Il s’adresse à tous ceux qui ne se sont jamais sentis à leur place, comme s’ils n’étaient pas dans la norme. Il reflète l’isolement que nous avons tous connu pendant la pandémie et ce que beaucoup d’entre nous ressentent aujourd’hui à l’ère des médias sociaux. Les gars ont trouvé que c’était un titre génial, car comme une grande partie de cet album, c’est une déclaration directe et honnête. J’avais des réserves pour les mêmes raisons.

• Cela m’invite à échanger avec vous autour de votre processus de composition. Comment l’inspiration et la dynamique de création se manifestent-elles entre vous, au sein d’October Drift ?

En temps normal, nous sommes dans notre studio trois jours par semaine, à enregistrer et à écrire. J’écris les paroles, mais la musique est surtout le fruit du travail de tous, les idées venant de n’importe quel membre du groupe. Cependant, peu de temps après la sortie de notre premier album, nous nous sommes retrouvés en quarantaine, ce qui signifie que j’ai beaucoup écrit depuis chez moi avec une guitare acoustique et que j’ai envoyé des notes vocales enregistrées sur mon téléphone aux gars. Lorsque nous nous sommes retrouvés au studio, nous les avons étoffées et avons exploré les possibilités offertes par certaines de ces idées.

• Plus je vous écoute, plus j’ai envie de dresser un parallèle avec l’écriture de Simon Neil de Biffy Clyro, mais également de Dave Jakes, ex-Lonely The Brave, dont le titre « The Blue, The Green » m’avait totalement retourné l’âme il y a quelques années. Avez-vous des modèles en termes d’inspiration à l’écrit, qui nourrissent votre plume ? Quels auteurs vous ont donné envie d’aller vers ce type de narration très authentique, sans superflu ?

Biffy Clyro a été une grande influence pour nous. Nous avons commencé à les connaître avec leur album « Puzzle » et nous les avons vus à Cardiff lors de la tournée « The Only Revolutions » alors que nous avions dix-sept et dix-huit ans. Je les ai également vus à Glastonbury lorsque nous avons joué sur la scène John Peel en 2017, et à Glasgow l’année dernière. Et quel incroyable groupe de scène !

Je dois dire que je ne connais pas Dave Jakes, donc je vais vérifier ça ! Je pense que Biffy et nous-mêmes avons été énormément influencés par Nirvana – on peut l’entendre dans chacun de nos groupes. Radiohead a toujours été une énorme influence, d’un point de vue musical, mais aussi en montrant ses vulnérabilités et ses insécurités et en disant aux gens qu’ils ne sont pas seuls. Plus récemment, les textes de Scott Hutchison avec Frightened Rabbit et Mastersystem ont également eu un impact considérable. L’album de Mastersystem a été enregistré dans le même studio que notre premier album, avec Justin Lockey qui a produit les deux disques, donc il y a beaucoup de recoupements.

• Comme je le disais un peu avant, il y a une vérité, très viscérale, qui se dégage de vos textes et qui me touche immédiatement. Une forme d’acception de nos faiblesses, de nos fragilités physiques comme morales, ce que vous exprimez admirablement sur « Waltzer » : « But I hold on only for you / But I don’t think I’m coming back / Cancer crawl what can I do / I don’t think I’m coming back ». Quelle place occupe l’expérience personnelle dans vos textes ? Et est-ce douloureux ou au contraire une forme de thérapie que de confier ces ressentis, de transformer ces réalités en musique ?

Écrire des paroles de chansons a toujours été un processus thérapeutique. Essayer de tirer quelque chose de positif d’un sentiment ou d’une situation peut t’aider à te comprendre et à traiter tes pensées, tout en espérant qu’il trouve un écho et des connexions positifs auprès de ceux qui le reçoivent.

• En parallèle des clips, vous avez dévoilé des sessions acoustiques de « Webcam Funerals » et « Insects », intitulés « Songs in strange places ». En revisitant de manière minimaliste vos titres, vous donnez encore une autre importance au propos et à l’intention que vous mettez dans l’interprétation. C’était l’intention première ? Qu’est-ce qui vous a décidé à choisir en particulier ces titres-ci sur l’album et peut-on attendre de vous d’autres sessions sous cette forme ?

Nous avons principalement filmé tous nos clips vidéo nous-mêmes, et ces sessions étaient vraiment une continuation de cette démarche. Nous sommes vraiment DIY, nous n’attendions jamais d’être invités pour certaines sessions, nous les faisions simplement avec nos propres moyens. Nous avons réalisé une vidéo « Songs in strange places » pour chaque single sorti, afin de montrer la chanson sous un jour différent, dans sa forme la plus dépouillée. Nous devons encore en tourner une pour « Waltzer » et « Lost Without You ».

• La fin de votre second album est particulièrement fédératrice à l’instar de « Feels Like I’m Home » qui est un morceau plus optimiste, plus lumineux, du moins dans la manière dont je le reçois. Il constitue presque l’antithèse du nom de votre album. N’est-ce pas finalement ce que vous souhaitiez exprimer à travers cet album ; cette idée presque philosophique que parfois tout le poids du monde semble peser sur nos frêles épaules, mais qu’il est important de toujours s’accrocher, car de meilleurs jours finissent toujours par arriver ?

Je suis content que tu aies compris ça. Nous voulions que l’album ressemble à un voyage et « Feels Like I’m Home » et « Old and Distant Memory » apportent un peu d’optimisme et d’espoir – la lumière au bout du tunnel – « But I never never never get it right, but I never never never lost the light ».

• L’album se clôture en acoustique sur « Old and Distant Memory » qui me rappelle l’exercice que vous aviez réalisé avec l’EP « Naked » en 2020. Pourrons-nous rêver d’une version entièrement débranchée d’« I Don’t Belong Anywhere » à l’avenir voire d’une tournée sous cette configuration allégée ?

Nous avons réussi à faire une tournée avec la sortie du premier album, mais nous nous sommes ensuite enfermés. Le titre « Naked » a été tellement bien accueilli après la sortie de « Forever Whatever » que nous avons décidé de le sortir en single, avec un EP acoustique pour accompagner la sortie. Nous avons emprunté un drone et avons également tourné une vidéo pour ce titre, qui s’est très bien déroulée, je pense. Cela nous a permis de garder une certaine dynamique, pour notre propre santé mentale plus qu’autre chose. J’aime toujours le titre « Still » de cet EP, qui est l’une des chansons que j’ai écrites à la guitare acoustique pendant les périodes de confinement. Nous avons fait quelques concerts acoustiques dans des magasins de disques pour promouvoir la sortie de « I Don’t Belong Anywhere ». Nous avons parlé de faire une tournée acoustique dans des lieux insolites – je pense que ça arrivera un jour, quand le moment sera venu.

• En février dernier, vous prévoyiez de jouer en France à l’occasion de deux dates à Paris et Lille, avec les Mancuniens de The Slow Readers Club (que l’on adore également sur indiemusic). Ça n’a malheureusement pas pu se faire en raison du contexte épidémique international. Prévoyez-vous de venir présenter prochainement ce nouvel album en France dès que les conditions seront réunies ?

Oui, nous avons eu deux tournées européennes qui sont tombées à l’eau cette année malheureusement. Nous allons certainement venir en France et dans d’autres pays d’Europe l’année prochaine, en première partie ou en tête d’affiche dans des clubs.

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ENGLISH

After several months of intensive teasing of the first singles and videos on the internet, October Drift, indie quartet from Taunton, in the county of Somerset (in the south of England) released last month their sophomore album « I Don’t Belong Anywhere ». A record that, since its release, has not stopped spinning on our turntables, as its singer and guitarist Kiran Roy’s decisive and poignant lyrics resonate with us as with the burning news and the state of the world today. Written during the pandemic as an epidermic reaction to its anxiety-provoking atmosphere, this raging record evokes with a disarming frankness this experience from the inside and the human and environmental questionings specific to our generation, divided between the observation and the necessity to shake up the rules. Discussing with Kiran about this clear and powerful outlet allowed us to fully grasp the therapeutic dimension of his writing, to take the time to explore in depth the lyrics and central themes of the record and to share our common admiration for Biffy Clyro’s music.

• Hello Kiran and October Drift. It’s really a great pleasure to have you in interview. I had the occasion to listen many times since its release, in various conditions, to your sophomore album and I feel like I’m learning more about it every time I listen to the record. The first thing that struck me is the intensity of this second album, not that it wasn’t already the case with your first LP which I still find fabulous like « Naked » and « Oh The Silence », but I found that the intention and the stance are even more obvious. Just the hyper-muscular opening track on « Airborne Panic Attack » immediately sets the context for the album. I was very impressed and immediately hooked by the blast of this new record, by this pre-chorus that announces the hostilities: « Have you seen the fire coming? » How did you approach the decisive turn of this second album? With what kind of expectations? What has changed in your way of composing and living your music between these two albums?

When we came to making this album, we had a bunch of tracks – but it became apparent that we had two albums, and neither complete. One a more ethereal, slightly lighter album and a darker, more direct rock album. We went with the rock record. We wanted it to be a continuation from our debut “Forever Whatever”, but more direct and more streamlined. We recorded it ourselves at our studio in Somerset. I think you’re right, this album feels more like it’s written from the same time and place, and that’s mostly because it was! The first album was just all the best songs we had written to that point, whereas this second album really reflects the space we were in as individuals and at times the world around us during that specific period.

• I followed with great interest the unveiling of the first tracks of this new album until its release last Friday, and I must admit that each new track I heard then only confirmed my impatience for the final format. There is something very singular in your way of writing, very visceral, but also honest, concrete and immediate. You don’t hide behind any enigmatic words or the need to read between the lines, which I find particularly pleasing. I felt a real exposure while listening to this record, so that we learn about ourselves as well. This introspection on the disc, was it a complex process for you or rather obvious and natural?

It’s interesting you say you don’t feel you have to read between the lines or anything. I think my songwriting on the whole is based on feelings or reactions to events, rather than storytelling, in the way some artists do. Although I do think this album is more direct in its topics and themes, that was mostly a very natural process. Being honest, being an open book in that way can sometimes be the hardest part – you show your vulnerability and you lay things bare. Some songs, especially “Webcam Funerals”, I was anxious about putting out because of this – its subject was still so raw but the reaction from people who could relate with this song, and tell their own stories was really reassuring that it was the right thing to do. It’s really special the way in which music can connect, it tells us other people have been through these same things.

• Can we go back to some of the album’s highlights if you don’t mind? First of all, I wanted to talk about « Insects » on which the tension is at its peak from the first bass lines. We feel that everything will eventually explode and the lyrics rightly set the conditions for the survival: « We’re still insects nothing at all / We’re still insects pinned to the walls / Trying to crawl ». How does October Drift proceed with the composition of such a track? One feels that there is an experience in the matter, but also, always, the desire to go forward, to get away from it. Basically, isn’t the outcome of the questions and realities that you present in your lyrics the result of an optimistic desire to reach deep happiness?

The song started with that bass line, which I think has such a vibe. The song is quite dark and full of explosive tension. After being locked down during the pandemic, making loud music with this much tension and pent-up frustration was very natural. Lyrically too, I don’t remember being aware of it at the time but ‘I don’t want to die in here’ and being ‘pinned to the walls’ reflect being stuck inside. Songs like “Insects” and “Parasite” also channel that coronavirus gripped the world of the time which was (rightly) obsessed with the spread of germs and contamination. The song was inspired too by visiting the Hunterian Museum in Glasgow and seeing all the Victorian beetles and butterflies pinned to the walls.

• I’d like to stop for a moment and talk about the name you chose to give to this album: « I Don’t Belong Anywhere ». I think that in these few words, everything is said about the climate of our era, about its stakes, about the mood of the society. Was this title your first choice and how did you decide on this together, as a band?

It was a song that was written just after we had finished recording this album. I’m sure we’ll be able to show you how it went sometime. We never got it finished in time for the album, and we’ve still never got it to place everyone has been happy with. But the title held a lot of weight even on its own and seemed to really summarise the album. It’s for anyone who’s ever felt out of place, like they don’t fit in. It reflects the isolation that we all experienced during the pandemic and how many of us now feel in the social media era. The guys thought it was a great title, because like much of this album – it’s such a direct and honest statement. I had reservations because of those same reasons.

• This invites me to talk with you about your compositional process. How does the inspiration and creative dynamic manifest itself between you, within October Drift?

In normal times we’re in our studio three days a week, recording and writing. I write the lyrics, but making music is mostly all hands on deck, with ideas coming from any member of the band. However, going into lockdown shortly after the release of our first album, meant that I wrote a lot from home on an acoustic guitar and sent voice notes recorded on my phone to the guys. When we could get together again at the studio, we beefed them out and explored where we could take some of those ideas.

• The more I listen to you, the more I feel like drawing a parallel with the songwriting of Simon Neil from Biffy Clyro, but also with Dave Jakes, ex-Lonely The Brave, whose track « The Blue, The Green » totally blew my soul away a few years ago. Do you have any inspirational writers who feed your creativity? Which authors made you want to go towards this type of very true narration, without unnecessary stuff?

Biffy Clyro have been a big influence on our band. We first got into them with their album “Puzzle” and saw them in Cardiff on “The Only Revolutions” tour when we were seventeen and eighteen. I’ve also seen them at Glastonbury when we played the John Peel stage in 2017, and in Glasgow last year. What an incredible live band they are too.

I have to say I don’t know Dave Jakes so will check that out! I think us and Biffy have been hugely influenced by Nirvana – you can hear it in both of us. Radiohead have always been a huge influence, in a musical sense but also by showing one’s vulnerabilities and insecurities and in doing so telling people they are not alone. In more recent years, Scott Hutchison’s lyrics with Frightened Rabbit and Mastersystem have had a pretty huge impact too. The Mastersystem album was recorded in the same studio as our debut, with Justin Lockey producing both records, so there’s a lot of cross overs there.

• As I said before, there is a very intimate truth that emerges from your lyrics that strikes me immediately. A kind of acceptance of our weaknesses, of our physical and moral frailties, which you express admirably on « Waltzer »: « But I hold on only for you / But I don’t think I’m coming back / Cancer crawl what can I do / I don’t think I’m coming back ». What is the place of private experience in your writing? And is it painful or on the contrary a real therapy to confide those feelings, to transform those experiences into music?

Writing lyrics has always felt like a therapeutic process. Trying to make something positive out of a feeling or a situation can help you understand yourself and process your thoughts, as well as hopefully resonate and have positive connections with those that it does.

• In conjunction with the music videos, you have released some acoustic sessions of « Webcam Funerals » and « Insects », under the title « Songs in strange places ». By reinterpreting your songs in a very minimalist way, you give another importance to the meaning and the thought that you put into the performance. Was this the original plan? What made you decide to choose these pieces in particular on the album and can we expect other sessions in this form from you?

We’ve mostly filmed all our own music videos, and these sessions were really a continuation of that. We’re really DIY, we’d never wait to be invited for certain sessions, we’d just make them ourselves. We’ve made a “Songs in strange places” video for each single released, to show the song in a different light – in its rawest form. We still need to shoot one for “Waltzer” and “Lost Without You”.

• The end of your second album is especially unifying as is « Feels Like I’m Home » which is a brighter, more optimistic track, at least in the way I perceive it. It is almost the antithesis of the name of your album. Isn’t it finally what you wanted to express through this album; this almost philosophical idea that sometimes all the weight of the world seems to fall on our frail shoulders, but that we should always hang on, because the better days always happen sooner or later?

I’m glad you picked up on that. We wanted the album to feel like a journey and “Feels Like I’m Home” and “Old and Distant Memory” provide some optimism and hope – light at the end of the tunnel – “But I never never never get it right, but I never never never lost the light”.

• The album closes with an acoustic track « Old and Distant Memory » which reminds me of the exercise you did with the EP « Naked » in 2020. Could we dream of a fully unplugged version of « I Don’t Belong Anywhere » in the future, or even a tour in this lighter setup?

We managed the one tour with the release of the debut album, but then went into lockdown. The track “Naked” was received so well following the release of “Forever Whatever”, we decided to release it as a single, with an acoustic EP to accompany the release. We borrowed a drone and shot a video for it too, which I think came out really well. It helped keep some momentum, for our own sanity as much as anything else. I still love the track “Still” on that EP, which was one of the songs I wrote on acoustic guitar during the lockdowns. We did some acoustic gigs in record shops to promote the release of “I Don’t Belong Anywhere”. We’ve talked about doing an acoustic tour in unique spaces – I think it’ll happen sometime when the time is right.

• Last February, you were going to play in France for two gigs in Paris and Lille, with the Manchester-based The Slow Readers Club (we also love on indiemusic). Unfortunately, it couldn’t be done because of the international epidemic context. Do you plan to come to present this new album in France as soon as the conditions are reunited?

Yeah, we had two European tours fall through this year unfortunately. We will definitely be coming over to France and more of Europe next year, either as a support of some headline club shows.

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