[Interview] Douchka

Figure ascensionnelle de la nouvelle scène électronique française, Thomas Lucas, alias Douchka, confirme sortie après sortie que sa réussite n’est pas le fruit du hasard. Auteur en mars dernier d’un troisième EP « Infantile » jubilatoire, le producteur rennais, qui vit désormais son rêve de musicien sur la route, posera ses machines à Rock en Seine le dimanche 27 août sur la scène Firestone avant de s’envoler pour le Festival MEG Montréal aux côtés de KillASon et Clément Bazin. L’ancien étudiant des Beaux-Arts de Rennes partage avec nous, sans détours, sa vision de la création musicale, ses enjeux et ses inspirations. Entretien grand format avec celui qui écrira tôt ou tard les futurs hits de demain.

crédit : Alistair Wheeler
  • Il y a une première question qui me traverse inévitablement l’esprit : peux-tu me parler de ces voix féminines et masculines qui accompagnent tes productions ? Sont-ils des proches que tu enregistres directement en studio ou travailles-tu à distance avec eux en leur indiquant tes besoins, tes envies ?

Alors ça dépend vraiment du contexte dans lequel j’enregistre. Quand je travaille sur un morceau, je capte assez rapidement si celui-ci peut être destiné à un feat ou bien s’il doit simplement rester instrumental. Ensuite, quand je sens que le truc peut coller à une voix en particulier, j’envoie la prod, je donne quelques avis sur ce qui pourrait selon moi sonner de manière adéquate avec l’instru (un style de flow, une ligne harmonique…) et ensuite je réarrange le tout en fonction de la voix que j’ai reçue. Par contre, je ne suis pas chanteur, je n’écris pas de paroles, donc je laisse totale liberté à celui ou celle avec qui je travaille. Avec Lia de Montréal, ça s’est passé exactement comme ça, il y a dû avoir trois échanges de démos, ça s’est donc fait assez vite au final et on est resté en contact pour pourquoi pas retravailler ensemble par la suite. On se revoit d’ailleurs à Montréal à la fin du mois.

  • On te sait particulièrement à l’aise à l’oral. Donner de ta voix sur disque, c’est un exercice, une pratique vers lesquels tu pourrais tendre à l’avenir ?

J’ai déjà testé des trucs au vocodeur, je parle bien de vocodeur, pas d’autotune. Le problème, c’est que ce son reste malgré tout très connoté West Coast dans le rap US, ou alors tu tombes facilement dans des délires un peu Daft Punk dès que tu te rapproches de la musique électronique. Pour moi, le dernier qui a vraiment réussi ça en tant que producteur c’est Lido, mais qui est aussi chanteur à la base, donc ça se comprend. Tu as aussi le morceau « Meet You in the Maze » de James Blake qui est une très belle réappropriation de cet outil. Après je ne ferai jamais de cuts de ma propre voix pour faire des notes pitchées comme on en entend partout actuellement. Et quand bien même, si j’ai besoin d’une ligne d’a capella, je le sample directement dans un répertoire bien précis. J’ai une grosse base de données d’a cappella libres de droits que je collectionne depuis des années pour faire spécifiquement ce genre de choses. On échange aussi pas mal de conseils, je pense à Atom de C2C qui m’a bien guidé pour « Infantile ».

  • Recherches-tu le dépaysement via la musique : cet ailleurs, cet exotisme qu’on ressent en écoutant tes morceaux les plus récents comme « No Reason » ou « Call You Mine » ? Vises-tu également le dépassement de soi par la musique quand tu composes ?

Le dépaysement et tout le discours de « Je fais de la musique qui s’inspire du voyage », c’est pas du tout mon truc. Je connais plusieurs artistes qui revendiquent ce côté-là, mais moi, je fais de la musique tout le temps, partout. Je vois pas ce qu’il y a de très exotique à plaquer une ligne de sanzas dans un camion de tournée sur une aire d’autoroute entre Paris et Le Mans. Après, de bosser avec des instruments et des sonorités bien farfelues que tu vas trouver sur Freesound, clairement c’est un truc que j’adore. Ça donne toujours un grain un peu spécial au morceau. Mais si j’ai envie de me dépayser, je prends un billet d’avion et je bouge de chez moi ; pas besoin de faire absolument de la musique pour ça. Après le dépassement de soi, tu le ressens quand tu travailles encore et encore pour obtenir le truc que tu veux sur un morceau, ou bien en retravaillant ton live entre chaque date pour avoir le truc qui matche le plus selon tes propres envies, et pas uniquement en fonction des attentes du public. Évidemment les voyages que tu fais t’inspirent forcément, mais comme bien d’autres choses : les livres que tu lis, les films que tu vois, les discussions avec tes potes, ta famille, ta vie sentimentale ou tout simplement ton état de fatigue.

  • « Infantile », le nom de ton troisième EP sorti fin avril traduit-il ton envie sinon ta quête d’une innocence à retrouver, à reconquérir ? Ou bien l’impression d’avoir grandi trop vite ?

Il y a un peu de tout ça. En réalité, il s’est passé tellement de choses pour moi en deux ans, des choses sur lesquelles tu communiques pas forcément à travers les réseaux sociaux, mais qui touchent quand même à ta musique et à ton mode de vie de manière générale. Quand tu commences à vivre de ta musique, tu réalises tous les jours à quel point tu as de la chance, même si au final tu ne comptes plus tes heures de sommeil, que tu accumules les « to do lists », les chaînes de mails interminables, le non-droit à la déconnexion, et que tu te mets bien sûr une pression constante par rapport à la question : « Où tout ça va-t-il aller ? ». J’entends par là pour l’avoir vécu que beaucoup de gens pensent que vivre de sa musique, c’est simplement faire un peu de studio de temps en temps, assurer les dates en profitant des avantages de voyager gratuitement, de boire des coups, côtoyer du beau monde… Bref, d’être dans le fameux « game » en somme. Évidemment qu’il y a de ça, et heureusement d’ailleurs, car on ne connaît plus vraiment le sens du mot « week-end » ou bien les vraies « vacances » depuis deux ans. Mais il y a tellement d’à cotés difficiles à gérer par rapport à celui qui a son boulot fixe et qui rentre chez lui tous les soirs et se vide la tête parce que le taf est terminé, alors que pour nous, c’est jamais le cas. Surtout quand tu es un jeune artiste en développement et que tu dois constamment faire tes preuves sans aucune garantie réelle de continuer à en vivre derrière. Être confronté à des choix difficiles, des désaccords et surtout de sérieuses désillusions par rapport à l’industrie musicale, ça te fait parfois envier le bon vieux temps de l’insouciance où tout était facile et simple à gérer. Cette époque où ton seul problème, c’était de trouver la bonne fête et d’avoir assez d’argent pour payer ton loyer et manger plus ou moins correctement. Attention, je ne regrette rien et je suis ultra reconnaissant de tout ce qui se passe aujourd’hui. J’en suis encore à un niveau newbie en matière de carrière par rapport à certains mecs de mon âge ou même plus jeunes. Mais ce côté « Infantile », c’est ça, revendiquer juste de faire les choses simplement, avec spontanéité, sans tomber dans le côté obscur de la force. Je pense au plus profond de moi qu’il vaut mieux rester un peu naïf que de devenir cet artiste blasé qu’on croise malheureusement beaucoup trop souvent en tournée.

crédit : Alistair Wheeler
  • Peux-tu me raconter comment tu construis ta musique, ton univers ? Je me fais l’idée d’un puzzle avec des pièces dispersées, à rassembler… On peut peut-être prendre pour cela l’exemple de « Sunday Morning » : comment ce morceau est-il né : où as-tu puisé ton inspiration, quelles ressources personnelles ou extérieures as-tu utilisées ?

Pour essayer de résumer ça assez facilement, je pars toujours d’une mélodie principale au piano, c’est vraiment le cas neuf fois sur dix. Ensuite, quand je dispose d’accords qui me plaisent vraiment, je transpose ces notes dans un synthé ou un sample grâce au langage midi sur ordinateur. C’est important pour moi de le préciser, car je fais tout à l’oreille : je ne sais pas lire la musique, je ne sais pas plaquer un Fa dièse Si bémol, par exemple. Je travaille simplement par timbre, par mood, en faisant la différence, bien sûr, entre tons majeurs et mineurs ; mais pour trouver la bonne phrase mélodique sachant que j’utilise beaucoup d’harmonies, c’est vraiment ce qui me prend le plus de temps. Ensuite je définis un tempo, je construis mes drums en utilisant systématiquement une MPC, les fameux pads, pour avoir un côté vraiment joué et décalé propre au beatmakers. J’essaie vraiment d’éviter la quantification pour sortir de la grille. C’est important de laisser le truc déborder, je trouve. Ça dévoile l’humain derrière la machine. C’est Just Blaze à Tokyo qui avait vraiment insisté sur ça quand il avait écouté mes prods, il trouvait ça cool, mais trop « mignon », alors qu’il faut parfois laisser le truc un peu sale pour donner du grain. Ensuite, je définis une structure, le squelette du morceau, l’intro, les drops, les breaks… Quand tout ça est terminé, je laisse reposer, et je reviens finir le morceau à tête reposée un ou deux jours plus tard. Donc oui, j’ai une routine de studio, mais j’essaye en permanence de nouvelles choses pour me surprendre le plus possible. Ça va aussi peut-être en surprendre certains, mais j’ai aussi appris à copier notes pour notes certains morceaux pour comprendre comment ces derniers étaient construits. C’est grâce à ça que tu t’affranchis de la technique et que tu peux plus facilement obtenir ce que tu cherches quand tu travailles des textures ou des ambiances sur un nouveau morceau. C’est peut-être un peu tabou, j’en sais rien, mais beaucoup de producteurs font ça : trouver le synthé à la machin, le kick de telle track… Quand je bosse en tant que compositeur pour d’autres artistes, je suis souvent amené à faire ça, parce qu’ils ont un vrai cahier des charges ultra précis sur ce qu’ils veulent, c’est assez dingue. Le truc, c’est qu’il faut ensuite construire ta propre banque de sons pour pouvoir trouver ta patte, et pas seulement se laisser aller à de pâles copies de tubes déjà existants. Écoute trente minutes une grosse radio mainstream, peu importe le genre : électro, rap, pop : tout est construit de manière très similaire. C’est la raison pour laquelle on passe très rarement en radio. Peut-être qu’un jour les programmateurs seront curieux et défricheurs et prendront des risques, l’espoir fait vivre, haha.

  • Avec le clip de « Sunday Morning », tu quittes d’ailleurs l’univers digital des clips de l’EP « Together ». Le changement n’est pas que sonore, il est tout autant visuel ?

Clairement, on porte une grande attention à tout ce qui touche à l’image du projet avec Nowadays. Là, pour le coup, l’EP sonnait beaucoup plus acoustique que les deux précédents. Le seul truc que j’ai toujours imposé, c’est que les artworks soient des images fabriquées de A à Z. Pas de photos, pas d’images recyclées, tout doit être conçu manuellement. L’illustration au bic sur la cover réalisée par Abadidabou et l’animation sur le clip par Nicolas Lexa et son équipe, ça collait parfaitement à ce qu’on voulait retranscrire visuellement parlant. Pour « Together », c’était pareil, ça a été un boulot monstre pour finalement peu de visionnages sur le clip par rapport aux grosses chaînes YouTube qui ont reposté les sons, mais je me dis que si on revisionne ça dans 5 ans, on pourra être fier d’avoir poussé le truc aussi loin avec des gens de talent.

  • Il s’agit de ton troisième après « Joyfull » et « Together ». Comment as-tu vécu de l’intérieur la création de ton identité d’artiste entre ces trois maxis ?

Le plus gros compliment qu’on m’ait fait dans mon entourage, alors que je sais qu’ils peuvent kiffer comme démonter facilement ce que je leur fais écouter, c’est qu’ils ont vu une évolution constante dans la technique et l’efficacité live des morceaux tout en gardant ma patte depuis le début. On me dit souvent que je fais une musique très colorée et joyeuse. Et c’est vrai que quand j’essaie de faire quelque chose d’assez sombre, ça se transforme en permanence en quelque chose d’épique avec une sorte de remontée, de nouvel élan mélodique pour réinjecter de la couleur. Peut-être que je me fais des films, mais c’est ce qu’on me dit souvent. Je reçois aussi des messages de dingues de gens qui écoutent ma musique dans des soirées, qui l’utilisent pour des vlogs de road trip ou même des tutos make-up… Ta musique, une fois qu’elle est à la disposition du public, je pense qu’elle ne t’appartient plus vraiment, et c’est ce même public qui façonne une image de ta musique par rapport à l’utilisation qu’il en fait. On a reçu récemment une demande de synchronisation par Fox News sur le morceau « No Reason » pour une émission de sport aux États-Unis. À aucun moment, en composant ce titre, je n’aurais pu imaginer que ça finirait dans un tel truc. Et c’est juste génial que ça arrive.

  • La suite donnée à ces EPs, ce sera un premier album. Où en es-tu pour l’instant dans ce processus et que peux-tu en dévoile pour l’instant ?

En vrai, il y a déjà des démos, mais je ne dévoilerais rien sans avoir une base d’au moins vingt morceaux. Ça prendra le temps qu’il faudra, mais ça sortira uniquement quand je serai totalement satisfait. Il faut vraiment vous attendre à ce que ça change clairement du délire future beat que l’on me colle systématiquement depuis trois ans. Après si les gens suivent les story que je poste régulièrement sur Instagram, ils pourront avoir quelques indices. Je me la raconte grave mystérieux là, haha ! Après il est possible aussi qu’un nouvel EP voit le jour entre les deux. Je déciderais de ça avant la fin de l’année, je pense.

  • Peux-tu me parler de ton entourage musical : la team Nowadays Records ; le label, mais également les artistes qui gravitent autour, ainsi que ton pote Marc Mifune aka Les Gordon avec qui tu fusionnes pour former le duo Leska ?

Le facteur essentiel dans cette team, c’est l’humain. En gros, c’est la possibilité de pouvoir échanger librement, d’accepter les choix artistiques de chacun, la critique constructive et l’évolution des projets de manière singulière en gardant une cohésion importante artistiquement et humainement au sein du label. Le moment où ça se ressent le plus, outre les compilations du label qui sont toujours de qualité, c’est vraiment sur les soirées Nowadays. C’est presque une excuse pour tous nous retrouver, échanger, boire des jus et terminer tout ça en after au petit déjeuner de l’hôtel dans la ville où on est. Les lives de chacun, on les connaît par cœur, mais c’est toujours ultra gratifiant de blinder une salle à l’autre bout de la France avec des gens qui viennent spécifiquement écouter le son du label, le son Nowadays. C’est presque devenu un genre à part entière en France dans la mesure où ils ont été le premier label à sortir ce genre hybride de musique dans notre pays. Les succès fulgurants de Fakear et le côté « daron » de la Fine Équipe (Ugo va pas aimer ça, haha) servent de locomotives pour des projets en développement comme les nôtres. Et c’est pas plus mal de faire les choses petit à petit, alors que le buzz te pousse à faire des choix drastiques très vite. Avec Marc dans Leska, on a justement fait le choix de prendre notre temps à une époque où le public attend un nouveau single par semaine. C’est pas toujours évident, des fois on s’impatiente, on se dit qu’on loupe la fameuse « vague ». Mais au final, les retours sur les concerts à chaque date nous rassurent. Patience et longueur de temps font plus que force ni que rage…

  • J’ai eu la chance de voir ton live avec Leska à Stereolux en janvier dernier. Tu joues sur scène des percussions en plus des machines. Tout ça, c’est venu de manière autodidacte ou tu t’es formé de façon plus traditionnelle ?

Le gros défi qu’on s’était fixé avec Leska en live, c’était de ramener sur scène les instruments qu’on utilise en studio. De base, j’adore les percussions, c’est d’ailleurs le plus gros de mon boulot dans les morceaux de Leska, alors que Marc est plus en charge de la partie mélodique. Sur scène, c’est exactement la même chose, Marc est au piano, au violoncelle, aux sanzas et de mon côté, j’ai un set acoustique de toms, caisse claire, charley, ma MPC, les bandes et un clavier pour les subs. Par contre, je ne suis pas du tout batteur à l’origine, et Marc n’est pas non plus claviériste même si il a reçu une formation au conservatoire. On a fait beaucoup de résidences et notre deuxième concert aux Trans Musicales de Rennes devant 5000 personnes était assez laborieux avec le recul, mais c’était le jeu. Forcément, beaucoup de choses ont changé depuis, on a appris à jouer ensemble, à comprendre comment allier set acoustique et live de musique électronique en créant une réelle interaction avec le public. Les concerts évoluent et s’améliorent à chaque fois, et c’est toujours une volonté pour nous de tester les nouveaux morceaux en live avant même de les faire écouter à notre entourage. Nos ingés-son et lumières s’arrachent les cheveux quand ils découvrent une nouvelle setlist, mais c’est toujours mieux d’avoir le retour public en priorité, quitte à complètement se planter sur scène ce qui est arrivé plus d’une fois. C’est ce côté risqué, ultra dynamique et un chouia insolent qu’on aime tellement sur le live de Leska. On est aussi toujours reconnaissant quand on voit les retours du public, alors qu’on a seulement sorti quatre singles. C’est ce qui te pousse à vouloir développer le truc à fond, en te remettant perpétuellement en question.

  • Chaque set en live sur une tournée est-il organisé de la même manière ou au contraire considères-tu chaque performance comme un moment unique ? Quelle est la place des machines et des instruments, du jeu « live » dans tes sets ?

En solo, tu ne peux pas tout jouer en direct, et je n’ai pas non plus envie de me transformer en homme-orchestre, j’ai besoin d’être libre et de kiffer sur scène. Donc j’alterne le plus possible sur les parties solos comme les voix ou les percus à la MPC, les drums sur le SPD, et l’orgue, le mellotron ou les flutes sur mon clavier. La partie improvisation, elle est rarement présente, car dans tous les cas, les bandes qui sont divisées en cinq parties (kick, sub, drums, synths et a cappella) font toutes la même durée, donc je peux surtout faire des boucles supplémentaires si un morceau fonctionne mieux qu’un autre certains soirs, ou à l’inverse, les raccourcir. Mais c’est d’abord l’enchaînement entre les différents morceaux qui est le plus travaillé, pour que ce soit cohérent, construit et progressif sur une heure de show. Tu réfléchis aussi beaucoup au tracklisting qui n’est pas forcément le même d’un soir à l’autre en fonction de l’heure à laquelle tu joues, des artistes après et avant qui tu passes… J’ai écouté et regardé plusieurs lives de musique électronique attentivement pour construire ça. Après, plus tu enchaînes les dates, plus tu commences à capter le truc et ça vient assez naturellement. Tu auras aussi toujours les puristes relou qui diront que tu joues à peine le quart de ce qui sort dans les enceintes, mais ces mecs-là, tu te demandes sérieusement ce qu’ils viennent faire devant un live de musique électronique… Personnellement je me fiche royalement de savoir ce qu’un groupe comme Justice joue réellement sur scène, tant que le son est bon et que tu vis l’instant live autrement que si tu écoutes les morceaux à fond dans un casque. Il faut juste savoir que les musiciens et les pros sont les pires mecs dans le public, collés à la régie à tout disséquer, moi y compris…

  • Tu es Rennais : penses-tu qu’il est difficile pour les nouveaux talents de se faire un nom quand on compte les talents par dizaines au kilomètre carré : Her, Juveniles, Columbine, Totorro, Fragments, Manceau, Bumpkin Island pour ne citer qu’eux ? Ou au contraire, y a-t-il de la place pour chacun tant que l’ambition et le talent sont là ?

En vérité, dans notre famille musicale, excepté Marc (Les Gordon) et moi, aucun artiste rennais ne se rapproche vraiment de nous, alors que beaucoup de groupes que tu as cités appartiennent à cette grande famille qu’est la pop rennaise. Je vulgarise un peu, mais ce sont des artistes qui ont tous déjà bossé ensemble pour la plupart, qui ont des ingés-son et des studios communs, des relations proches au quotidien. Columbine, c’est encore différent parce que les mecs sont vraiment entre eux et on ne se croise jamais sur des évènements, alors que c’est souvent le cas avec les autres. Mais en soit oui, il y a clairement de la place pour tout le monde.

Marc et moi, c’était une évidence qu’on finisse par bosser ensemble, car on avait les mêmes envies, les mêmes perspectives pour nos projets solos. Après ce vivier d’artistes pour une si petite ville, c’est aussi ce qui rend cet endroit très agréable à vivre quand tu fais de la musique. Tu as des évènements tout le temps, toute l’année. Les lieux de diffusion sont nombreux et les associations très présentes. Auparavant, je ne me sentais pas vraiment appartenir à cette grande famille rennaise, mais plus le temps passe, plus je réalise à quel point j’ai de la chance de vivre de ma musique et de pouvoir rester habiter ici. Du coup, je me sens redevable envers cette ville, parce qu’elle m’a vraiment permis de m’épanouir et de travailler dans un cadre sain et dynamique à la fois. Une grosse partie de notre team avec Leska est aussi originaire de Rennes.

  • Tu réalises régulièrement sur les réseaux sociaux des DJ sets plus classiques où tu présentes des artistes que tu aimes, des pistes sur lesquelles tu bosses, des remixes… Est-ce un exercice que tu pratiques depuis longtemps ? Le DJ set, c’est un format que tu affectionnes en soirée ?

J’ai découvert la musique électronique, mais aussi le rap et le funk par le biais du DJing. Forcément, c’est quelque chose qui reste et que tu affectionnes particulièrement parce que ça fait partie de toi. Il y a cinq ans, j’arpentais les clubs beaucoup plus souvent que les salles de concert ou les festivals alors que paradoxalement c’est complètement l’inverse aujourd’hui. Mais je reste toujours accroché au côté digger propre au monde du DJing. J’aime écouter un mix construit, surprenant et riche en influences. Je suis ultra fan des premiers mixs de Radio Soulwax par exemple, ça a toujours été pour moi une référence absolue en termes de mélange des genres avec cette culture du remix et du bootleg. Tous les mois, j’achète aussi des disques et si tu passes un jour à la maison, tu seras assez surpris de voir que la musique électro ne tient pas une si grande place dans ma discothèque. J’écoute du rap, du rock, de l’ambient et aussi de la musique classique. Je ne prétends pas être expert en tout, loin de là, il y a énormément de choses que j’ignore et de toute manière la musique évolue tout le temps. Mais, par contre, j’essaie vraiment d’avoir une oreille sur tout, y compris les productions mainstream, parce que ça me permet d’être ouvert et donc plus créatif quand tu composes toi-même ta musique. C’est pour ça que j’ai toujours eu du mal avec les étiquettes musicales du moment qui sont juste balancées comme des hashtags éphémères. J’ai toujours voulu garder la liberté de produire et de jouer ce que je veux, et c’est pareil dans mes DJ sets, je fais des edits de tous les morceaux, je prépare à chaque fois mon mix pour construire une véritable histoire. C’est long et fastidieux, mais je trouve que ça fait vraiment la différence à une époque où un mec sur deux est DJ. Dans cette approche, des DJs comme Erol Alkan ou Mehdi étaient de véritables icônes pour moi : DJ Mehdi est d’ailleurs le premier set que j’ai pu voir de ma vie au festival Astropolis à Brest, j’avais 15 ans.

  • Dernière question, sur certaines de tes photos, tu adoptes une posture singulière : les deux bras croisés faisant un « Peace » avec les doigts. Les signes de mains ne seraient-ils plus réservés aux gangs et aux rappeurs ?

C’est un peu comme un signe de ralliement, un truc qui me suit aussi depuis mon premier maxi Joyful dont la cover représentait deux mains croisées qui formaient un oiseau. MIA m’a piqué le game juste ensuite, haha.


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Fred Lombard

Fred Lombard

rédacteur en chef curieux et passionné par les musiques actuelles et éclectiques